(y III) Ciclos de Miércoles LA VIENA DE KLIMT

(y III)

  1. Este acto tuvo lugar el
Cuarteto Granados . David Mata, violín. Andoni Mercero, viola. Marc Oliu, violín. Aldo Mata, violonchelo
David Quiggle, viola. Suzana Stefanovic, violonchelo

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NOTAS AL PROGRAMA
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                TERCER CONCIERTO
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ANTON WEBERN. Rondó para cuarteto de cuerda
Ni siquiera el más radical de los músicos que integran la "trilogía vienesa" podía escapar a la irresistible atracción ejercida por la más vienesa de todas las formaciones de cámara: el cuarteto de cuerda. Un total de seis partituras - más de un tercio de toda su producción camerística-  consagraría Anton Webern a esta forma privilegiada. El catálogo weberniano para las dieciseis cuerdas recorre, desde 1905 hasta 1936-38 (fecha de escritura de su Cuarteto, op. 28), toda su producción a modo de un diario de a bordo en el que el músico vienés perfila, depura y aquilata paulatinamente su estilo, cada vez más sobrio y quintaesenciado.

    Fechado en 1906, el Rondó para cuarteto de cuerda es la tercera de las obras que Webern consagra a esta plantilla, a la que un año antes ya había dedicado dos páginas algo más extensas: un sereno Langsamer Satz (Movimiento lento) y un Cuarteto - con mucho su obra de cámara más dilatada-  inspirado en un tríptico pictórico del italiano Segantini. No parece improbable que, durante la gestación de su nueva obra, Webern tuviera presente la estrictamente coetánea Sinfonía de cámara, op. 9 de Schönberg.

    Menos brahmsiano, más "moderno" que el muy bello Langsamer Satz y de escritura más clara y homogénea que el Cuarteto que le antecede, el Rondó - marcado Bewegt (Animado)-  alterna un refrán en forma de estilizado vals (de nuevo la ineludible referencia vienesa) con episodios más dramáticos. El tratamiento tímbrico (empleo de sordina, presentación sucesiva del tema a cargo de los diferentes instrumentos del grupo) y los contrastes dinámicos contribuyen al virtuosismo interpretativo de una obra que hubo de esperar hasta 1970 para ser publicada. El estreno público, más de treinta años después de la muerte de su autor y a más de sesenta de su composición, corrió a cargo del Cuarteto de Filadelfia, el 1 de agosto de 1968 en Hannover.


ALBAN BERG. Cuarteto de cuerda, op. 3
Precedido de algunos brevísimos ensayos juveniles fechados en 1906-07, de un interés casi exclusivamente documental y que sólo en fechas muy recientes han sido exhumados (Fuga, Variaciones sobre un tema original, Zarabanda, Minueto en re menor, Minueto en do menor, Tres variaciones sobre un tema de Schumann, Adagio en fa mayor, todos ellos para cuarteto de cuerda) el Cuarteto, op. 3 constituye la primera gran obra de cámara de su autor. Una partitura cuyo brillo sólo ha conseguido ocultar una circunstancia tan azarosa como injusta: compartir paternidad con la posterior - y absolutamente genial-  Suite lírica, el testamento camerístico bergiano instrumentado, igualmente, para la misma plantilla de cuarteto de cuerda.  

    Contemporáneo de los Cuatro lieder, op. 2, el Cuarteto, op. 3 (1909-10) es, según Szersnovicz, la única gran forma del período "atonal libre" de la Segunda Escuela de Viena. Berg sobrepasa aquí tanto a su maestro Schönberg como a su amigo y condiscípulo Webern, que no cultivan en esa misma época más que pequeñas formas, breves y aforísticas. Dieciocho meses invierte el meticuloso compositor en construir esta obra dividida en dos únicos movimientos de duración casi idéntica, si bien algunos consideran que la coda con que concluye el primer movimiento (compases 154-187) desempeñaría el papel del tradicional tiempo lento.
En este recién iniciado período de liberación del sistema tonal, fuera ya de la tutela schönberguiana, Berg retoma tan sólo del Cuarteto nº 1, op. 7 de su maestro la forma de los episodios extremos: un movimiento inicial en forma sonata marcado a la manera schumanniana como Langsam (Lento) - caracterizado por grandes contrastes de tiempo, de expresión, de dinámicas-  y un segundo movimiento más moderado (Mässige Viertel) en forma de rondó y con estrechas relaciones temáticas respecto al primero.
Un exaltado lirismo y una sensualidad y expresividad genuinamente bergianas dominan la inconfundible escritura de esta obra aún juvenil pero ya plenamente madura que revela el supremo refinamiento sonoro perseguido por el músico, traducido en las múltiples y minuciosas indicaciones de ejecución (golpes de arco, staccato, pizzicato, glissando, col legno, sul ponticello, equilibrio de las diversas voces, tempi, acotaciones de dinámica, etc.) consignadas en la partitura.

    Como señala Barbier, "por la unidad de su material y la importancia de los contrastes de timbres y de dinámicas, Berg consigue, en menos de veinte minutos, simular una ópera expresionista cuyos instantes de paroxismo anuncian la locura asesina de Wozzeck (recitativo final del violonchelo, violento y caótico) o el grito de Lulu estrangulada (acorde final)".

Estrenado en Viena el 24 de abril de 1911 - sólo unos días antes de su boda con la dedicataria de la obra, Helene Nahowski, y de la muerte de Mahler-  por un cuarteto formado para la ocasión por Fritz Brunner, Oskar Holger, Bernhard Buchbinder y Josef Hasa, el Cuarteto, op. 3 suscitó, pese a la deficiente interpretación de esa primera ejecución, el elogio entusiasta de Schönberg: "Este cuarteto me ha sorprendido de la manera más increíble por la riqueza y densidad de su lenguaje, la fuerza y la seguridad de su discurso, su cuidada elaboración y significativa originalidad".

Años después, el 2 de agosto de 1923, la interpretación de la obra en Salzburgo a cargo del Cuarteto Havemann dentro del marco de la ISCM (la recién creada Sociedad Internacional de Música Contemporánea) constituirá - con el viejo Julius Korngold, Zemlinsky y Scherchen como testigos-  uno de los escasos éxitos de público registrados en vida de Alban Berg.

ARNOLD SCHÖNBERG. Noche transfigurada, op. 4
La escritura poética ocupa un lugar privilegiado en la obra de Schönberg. Si hasta 1900 sus partituras son casi exclusivamente vocales (sólo 5 de sus 22 primeros Opus no se apoyan en la palabra), las composiciones con texto (28 Opus de un total de 50) dominan su catálogo. Tras las primeras colecciones de canciones para voz y piano (Opus 1-3), el legado temprano del músico acoge la que inmediatamente se convertirá en su primera obra maestra, Verklärte Nacht, op. 4, un intento sin precedentes de aliar la música de cámara pura - un sexteto de cuerda en la más genuina descendencia brahmsiana-  con el programa literario de los poemas sinfónicos straussianos de la época, traducido a un lenguaje de sensualidad declaradamente wagneriana, heredera del incandescente cromatismo de Tristán e Isolda.
  El nombre de Richard Dehmel (1863-1920) aparece con frecuencia al pie de algunos de los poemas que varios destacados músicos de la escuela germana (R. Strauss, Pfitzner, Reger, Zemlinsky, Korngold o Webern) llevaron a sus pentagramas. "Este alemán del norte - como lo califica Stuckenschmidt-  fue en los años noventa uno de los fenómenos más fascinantes y de más intensa influencia en la literatura alemana. Su concepción del mundo, cargada de tensiones y contradicciones, debe mucho a la filosofía de Friedrich Nietzsche". El universo lírico de Dehmel, amigo de Strindberg y ferviente admirador de Mahler, tiene en la relación hombre-mujer - a la que revistió de unos componentes entonces insólitos, como el amor libre o el compañerismo erótico-  uno de sus ejes primordiales. "Dehmel - prosigue Stuckenschmidt-  afirmaba la vida con pasión, era un espíritu ilustrado, educado en el socialismo y que no obstante, al paso de su madurez, fue abriéndose también a ideas metafísicas y religiosas".
  El joven Schönberg se sintió muy pronto atraído por su obra: los tres primeros de sus Cuatro lieder, op. 2 (1899) así como el tercero de sus Seis lieder, op. 3 (1899-1903) se inspiran en sus palabras. En 1896 Dehmel publica el poemario Weib und Welt (Mujer y mundo). En él se incluye Verklärte Nacht (Noche transfigurada), poema cuyo argumento - arquetípico de su propugnada moral sexual antiburguesa-  proporciona a Schönberg la cuarta pieza de su incipiente catálogo y, también, su primera gran obra. Noche transfigurada fue escrita rápidamente, a lo largo de tres semanas del mes de septiembre de 1899, durante una estancia en Payerbach, cuando el músico contaba sólo veinticinco años. Instrumentada para la muy brahmsiana plantilla de sexteto de cuerda (dos violines, dos violas y dos violonchelos), su estructura conserva la del texto original: cinco secciones ejecutadas sin interrupción cuya música "ilustra" el argumento desarrollado a lo largo de las cinco estrofas del poema.  
  Éste evoca el paseo de dos amantes a través de un bosque desolado, una fría noche a la luz de la luna. La mujer cuenta al hombre que espera un hijo de otro al que ya no ama. Comprensivo, su amante expresa que el amor que sienten el uno por el otro les unirá y harán el niño suyo. "Tú me has traído la claridad", dice él. "Tú has hecho de mí mismo un niño". Al final del poema, la pareja se abraza y reanuda su paseo: "Sus alientos se besan en el aire".
  La original propuesta schönberguiana de transgredir los géneros establecidos, otorgando al reducido marco camerístico la plasmación de un programa literario - algo que, de Liszt a Strauss, parecía exclusivo del poema sinfónico para gran orquesta- , se corresponde consecuentemente con el espíritu de una nueva moral que proclama el triunfo del amor solidario y sin reservas del hombre sobre el sentimiento burgués de culpabilidad de la mujer, planteado por Dehmel.
  En una atmósfera general que evoluciona de las tinieblas ("Dos seres pasean por el bosque pelado y frío") a la luz ("Dos seres pasean en la profunda, luminosa noche"), la partitura "no ilustra - en palabras de su autor-  ni acción di drama, sino que se limita a representar la Naturaleza y a expresar los sentimientos humanos". Si las secciones impares (Preludio; Pesante-Grave (Interludio); Adagio (Postludio)) evocan la marcha progresiva de los amantes en la noche mediante temas perfectamente imbricados en un discurso continuo de extrema sensualidad, la estrecha relación que la música establece con el texto se manifiesta igualmente en la utilización de los violines para encarnar la febril agitación de la mujer (2ª sección, Molto Rallentando) y la noble y serena voz de los violonchelos que simbolizan la respuesta reconfortante de su amante (4ª sección, Adagio). En la pionera biografía sobre el compositor publicada en 1921, su alumno Egon Wellesz describe así el final de la obra: "Ahora, sólo la Naturaleza tiene la palabra. Con una dulzura de infinita pureza, la música pinta el cuadro de un bosque solitario envuelto en una viva claridad. Rodeada por una indecisa melodía se estremece aún la dicha de los dos seres que se han reencontrado".
  La versión original de Noche transfigurada fue estrenada en la Kleiner Musikvereinsaal de Viena, el 18 de marzo de 1902, a cargo del violinista Arnold Rosé, amigo del compositor y cuñado de Mahler, que dirigía su propio cuarteto de cuerdas, junto a otros dos músicos de la Filarmónica, en la que era concertino. La acogida no fue favorable; la conciliación de la técnica de variación heredada de Brahms con el tratamiento y la sonoridad instrumental wagnerianos, aliados con ciertos pasajes de una tonalidad indefinida -"una alusión al futuro" en palabras del músico-  resultaron tan desconcertantes para el conservador público vienés como la naturaleza erótica del texto de Dehmel. "Es como si alguien hubiera emborronado la partitura de Tristán cuando la tinta aún no estaba seca", comentaría uno de los miembros del jurado de la Tonkünstlerverein que se opuso a la presentación de la obra en su sala.
  Dehmel, sin embargo, quedó cautivado por la transcripción musical de su poema. También Zemlinsky, que escribiría al día siguiente de su estreno: "Contiene pasajes de auténtica belleza y profunda sensibilidad, que testimonian un arte verdaderamente grande y poco común". La posteridad les daría la razón: un siglo después de su estreno, Noche transfigurada, una de las más hermosas cimas de esa primera etapa de exaltada expresividad posromántica, continúa siendo la más popular de todas las obras de Schönberg.
  En 1917, el músico efectuó una segunda versión de este "drama musical sin palabras" para orquesta de cuerdas que incluye una parte adicional para contrabajos. Esta versión ampliada, estrenada en Viena por su autor dos años más tarde, sería revisada definitivamente en 1943. En 1923, su alumno Eduard Steuermann (1892-1964), que en 1912 participó en el estreno de Pierrot lunaire, realizó un arreglo de la obra para trío con piano como regalo de cumpleaños para la mecenas vienesa Alice Möller.


Cuarteto Granados (David Mata y Marc Oliú, violines; Andoni Mercero, viola; y Aldo Mata, violonchelo) y David Quiggle (viola) y Suzana Stefanovich (violonchelo)

Anton von Webern
(1883-1945)
Rondó para cuarteto de cuerda (c.1906)
Alban Berg (1885-1935)
Cuarteto, Op. 3
1. Langsam
2. Mässige viertel
Arnold Schönberg (1874-1951)
Verklärte Nacht (Noche transfigurada), Op. 4

  1. Cuarteto Granados

    David Mata
    Nace en 1969 en Madrid, donde inicia sus estudios con Francisco Martín. Posteriormente estudia con el profesor Frischenschlanger en la Hochschulle de Viena becado por el Ministerio de Cultura, y con José Luis García Asensio en Londres, becado por Juventudes Musicales. En 1985 ingresa en la JONDE y asiste a los cursos de verano del College Summer Conservatory of Colorado (EE.UU., 1991, 1992, 1993). En 1993 colabora como profesor asistente en el Courtenay Youth Music Center, British Columbia (Canadá) y obtiene el primer premio por unanimidad en el Concurso de Música de Cámara de Juventudes Musicales como miembro del dúo La Folía que forma con el violonchelista Aldo Mata. Ha estudiado también en la Escuela Superior de Música Reina Sofía con José Luis García Asensio, becado por la Fundación Isaac Albéniz. Ha actuado en la Casa de Cantabria de Madrid y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en los conciertos organizados por Radio Clásica de RNE. En la actualidad es miembro de la Orquesta Sinfónica de RTVE.
    Marc Oliu
    Nace en 1977 en Girona. Estudia con Gonçal Comellas en el C.S.M. del Liceo, y desde 1998, becado primero por el Ministerio de Cultura y después por la Generalitat de Catalunya, en la Hochschule für Musik "Hanns Eisler" de Berlín, con Ulf Wallin; hizo un postgrado de música de cámara en la Hochschule für Musik de Detmold con Ulrike Mathé y el Auryn Quartett.  Ha recibido consejos tanto de violín como de música de cámara de N.Kneser, E.Schönweiss, Mi-Kyung Lee, G.Nikolitch, E.Kufferath y el Cuarteto Alban Berg entre otros.  Ha sido concertino de la Joven Orquesta Nacional de España, y miembro de la European Union Youth Orchestra.  Ha colaborado periódicamente con la Deutsches Symphonie-Orchester Berlín, desde 2002 con la Orquesta de Cadaqués  y  desde 2003 con la Camerata de la Mancha. Fue primer violín del Cuarteto Arché en 2002. Obtuvo un Accéssit en el concurso "El Primer Palau" del Palau de la Música Catalana (2001). D esde diciembre 2005 es profesor de violín del Conservatorio Superior de Música de Salamanca. Andoni Mercero
    Nace en 1974 en San Sebastián, en cuyo Conservatorio se forma, continúa en la Escuela Superior de Música Reina Sofía de Madrid con Zakhar Bron y en la Universidad de Toronto con David Zafer. En 1997 estudia viola en Berlín con Carol Rodland y, finalmente, en Amsterdam, violín barroco con Lucy van Dael y viola con Jürgen Kussmaul. Ha participado en cursos con Y. Menuhin, R. Schmitt, V. Hagen, K. Kashkashian, W. Levin, R. Gwilt, E. Gatti o J. Ogg. Ha obtenido el Premio Nacional Pablo Sarasate (1994), el Concurso Nacional de violín Isidro Gyenes (1995), el Concurso de violín Ciudad de Soria (1995) y el Concurso Internacional Julio Cardona en Portugal (1997 y 1998). Fue violinista del Trío Alzugaray, viola fundador del Cuarteto Casals y miembro de Barcelona 216, Proyecto Gerhard y ensemble TAIMA de Granada. Ha sido viola solista en las orquestas Sinfónica Giuseppe Verdi en Milán, RTVE, Euskadi, Barcelona y Ciudad de Granada. Ha actuado como solista con la Camerata Strumentale di Prato y la Orquesta de Cámara de Mantua. Ha sido profesor del Curso de verano de Lucena y de la JONDE. Actualmente es profesor de cuarteto de cuerda en Musikene.
    Aldo Mata
    Nace en Madrid en 1973, estudia con María de Macedo y con Elías Arizcuren; de 1991 a 1994 estudia en la Escuela Reina Sofía con Iván Monighetti; hace Master Classes con Rostropovich, Gutmann, Helmerson, Claret, Greenhouse, J. L. García, Isserlis, etc. En los Estados Unidos obtiene en 1996 el Master "cum laude" del Chicago Musical College con Kim Scholes. De 1996 al 2000 cursó el título de Doctor en Música de la Universidad de Indiana (Bloomington) con Janos Starker, Tsuyoshi Tsutsumi y Leonard Hokanson, doctorándose con una tesis dedicada a los Cuartetos Prusianos de Mozart. Ha sido premiado en el concurso nacional de Juventudes Musicales, Concerto Competition del Chicago Musical College, finalista del Searle Competition, Popper Competition, etc. En 2001 es violonchelo coprincipal de la Orquesta de Castilla y León y en 2002 es catedrático de violonchelo del Conservatorio Superior de Salamanca. Toca un violonchelo construido por Gand&Bernardel en París en 1889.

  2. David QuiggleDavid Quiggle

    Estuidió en el Conservatorio de Vancouver (Canadá) y en el New England Conservatory (Boston) con Vilem Sokol, Gwen Thompson, Gerald Stanick, Steven Dann y Walter Trampler. Ha actuado con los directores Leonard Bernstein y Seiji Ozawa. Se trasladó a España en 1992 como viola principal de la Orquesta Sinfónica de Galicia, formando parte del Taller Instrumental del CGAC en Santiago de Compostela, y dirigiendo la Escuela de Práctica Orquestal de la OSG. Fue miembro del Cuarteto Casals desde 1999 a 2003, con el que ganó primeros premios en varios concursos internacionales. Es invitado como viola principal en numerosas orquestas, con directores como Gunther Schuller, Christoph Eberle, Douglas Boyd, José Ramón Encinar, Edmon Colomer o Pierre Andrè Valade. Además, es co-fundador y viola principal del proyecto orquestal bandArt. En 2008 tocó el concierto para viola de Bartok con la Orquesta Juvenil Simón Bolívar dirigida por Pablo Mielgo en Caracas. Participa regularmente en festivales de música de cámara en Estados Unidos, Europa y Asia. Ha grabado la integral de los cuartetos de Arriaga con la Camerata Boccherini (Naxos) y el segundo cuarteto de Christian Lauba con el Cuarteto Casals (Accord).

  3. Suzana StefanovicSuzana Stefanovic

    Estudió con Relja Cetkovic en su Belgrado natal. Ganó numerosos concursos y premios y asistió a clases magistrales de Daniil Shafran y Valter Despalj. A los 17 años se trasladó a Estados Unidos, donde estudió con Janos Starker en la Indiana University School of Music. Desde que se estableció en España en 1988, ha realizado numerosos recitales estrenando obras con electrónica de José Iges dedicadas a ella, y para violonchelo solo de Francesc Taverna-Bech, Jesús Torres y otros. También ha sido solista con distintas orquestas europeas. Con el Trío Modus estrenó el Divertissment de Jean Françaix en España, además de numerosos encargos escritos para esta formación por compositores españoles. Con el Trío Clara Schumann ha tocado las integrales de obras de cámara con piano de Brahms en Barcelona y en Madrid, así como la mayor parte del repertorio romántico para trío con piano. Ha sido profesora de los Conservatorios del Liceu en Barcelona y del Conservatorio de Guadalajara. Es invitada regularmente a impartir clases magistrales en conservatorios y cursos en toda España, así como para formar cellistas de las jóvenes orquestas de España, Irlanda y Croacia.