(II) Ciclos de Miércoles Minimalismo: un método

(II)

  1. Este acto tuvo lugar el
Carlos Galán, dirección y piano
Carlos Galán, narración
Grupo Cosmos 21
Elíes Hernandis Oltra, trombón. Guillermo Castro, guitarra. Nevenka Galán Bueno y Miriam Nuñez, percusión. Vicente Martínez López, flauta

EL MINIMALISMO AMERICANO

De la misma manera que el minimalismo como concepto arnace en los Estados Unidos, no es menos cierto que su aplicación musicalmente se conoció inicialmente a través del minimalismo repetitivo americano. Pero si es bien cierto que la música minimalista repetitiva es una invención neamericana no se puede decir que el minimalismo americano sea exclusivamente repetitivo. La razón es muy clara, ya que si la música americana anterior a Cage siempre hace referencia, Cage incluido, a su vinculación a Charles Ives, la posterior a Cage le toma éste como principio sea cual fuere la vinculación que con él tenga. Es verdad que la múside Ives fue tan proteica, tocó tantos registros, se adelantó a tantas cosas y fue conocida tan tarde que a él se pueden referir muchas corrientes que parecen no tener nada en coentre sí ni tampoco con su antepasado supuesto. A Ives hacen referencia desde sus discípulos directos como Cowell hasta los nacionalistas americanos del cuño de Harris o Colos neorrománticos como Barber o Thompson y los que se basan en músicas populares urbanas. El propio Cage hizo tempranas referencia a su interés por Ives, quizá por ser él mismo un discípulo de Cowell.

Pero Cage fue una especie de ciclón en la música, y el arte en general de los Estados Unidos y muchos artistas que no tieque ver con la música, desde pintores como Oldenburg o Rauschenberg a artistas de teatro como los creadores del Living Theatre americano o el inventor del happening, Allan Kaprow, confiesan sus vinculación con él, así que no extranada que muchas contradictorias tendencias musicales lo usen como referencia incluidos los minimalistas. Es verque Cage tiene muchos aspectos minimalistas si bien en su mayoría tienen más que ver con lo conceptual que con lo técnico, pero desde luego no puede confundirse con las tendencias repetitivas.

Al comienzo de la gran revolución cagiana, el compositor cacolaboró con diversos músicos entre los que pueden citarse a David Tudor, Gordon Mumma, Christian Wolff y otros pero normalmente la triada que se citaba siempre era la de Cage, Brown y Feldman. Es cierto que constituían un trío coherente especialmente en todo el trabajo desarrollaentonces en torno a los problemas de los diversos tipos de música aleatoria, pero no trabajaron juntos en muchos proyectos y en realidad acabaron siguiendo trayectorias basdiferentes.

El caso de Earle Brown es muy notable pues llegó a ser muy célebre a finales de los sesenta para irse diluyendo después en un práctico olvido. Nacido en Lunenburg (Massaschuen 1926, falleció, tras una larga enfermedad en Nueva York en 2002. Trabajó en los nuevos sistemas de notación abierta en obras famosas como Folio o December 52. Tamtrabajó en las formas móviles que él comparaba musicon lo que Alexander Calder realizaba en escultuy obras como Available forms I y II (1961,1962) se tocaron profusamente por todo el mundo hasta el punto que es poco comprensible que hoy sean rarísimas de escuchar. También trabajó en diversos tipos de collages y colaboró activamente con la danza moderna pues no en vano había estado casado con una bailarina de la compañía de Merce Cunningham. Muchas de sus obras, que nacieron como piezas instrumenhan sido usadas en la danza mientras que otras que tenían por destino ser bailadas han resultado de mejor caen lo puramente concertístico. Un caso paradójico es Music for Trio for five dancers que es una música para danextraída de su obras Folio and four Systems de 1953 y readespués como pieza de concierto. Aquí el elemento minimalista no se refiere tanto al material sonoro como a lo abierto de la escritura que se basa en muy pocos elementos y que es susceptible de toda clase de interpretaciones.

En los inicios, y siempre a través de las enseñanzas de Cage, el músico más cercano a Brown fue Morton Feldman naen Nueva York en 1927 y muerto en 1987. Fue alumno de Stepan Wolpe. En una primera etapa le interesaron las notaciones no tradicionales de carácter gráfico o mensural y las músicas totalmente despojadas, en ese sentido sí eran minimalistas, que se acercaban al mundo del silencio bien por el constante uso que de él se hace como por el desarrollo de dinámicas muy tenues que fueron muy características de toda la primera etapa de su creación musical. Obras como The king of Danmark o The viola in my life son característide este período. Posteriormente se interesa por la obra de los pintores americanos del expresionismo abstracto en los que descubrirá un elemento minimalista que él explota sonoramente. Ese es el caso de la pintura de Mark Rothko para el que compondrá The Rothko Chappel. Posteriormente compondrá sus obras-río de varias hora de duración donde el tiempo queda suspendido en la proyección de unos sonimínimos que producen un estado especial de percepcomo ocurre en su Cuarteto n.2, en For Philip Guston o en esa misteriosa pieza orquestal que es Coptic Light.

Dos son las obras de Feldman insertas en este programa: DuI es la primera de una serie de composiciones, cinco en total, que llevan ese título. La obra data de 1960 y se trata de una pieza donde los sonidos están completamente escripero no tienen compás, barra de compás o indicación de tempo. La partitura dice expresamente que la duración de cada sonido queda a arbitrio de cada ejecutante pero tamque el compositor desea que cada uno de ellos no se adelante o atrase demasiado con respecto a los demás. En otras palabras, la pieza es asincrónica pero aspira a crear arconcretas. De esta manera renuncia a repeticiones o modelos constituyendo una obra que puede ser minimapero es antirepetitiva. Y, a diferencia de muchas obras de Cage, la aleatoriedad no afecta al conjunto instrumental, que está predeterminado y es flauta contralto, piano, violín y violonchelo.

La otra obra de Feldman que figura en programa es ProII y pertenece a otra serie de cinco obras, esta la segunda, escrita en 1951. La diferencia de fecha con la obra anterior es determinante pues las preocupaciones de escride Feldman eran aquí distintas. La obra se escribe para 29
flauta, trompeta, violín, violonchelo y piano. La escritura es más improvisatoria que en la serie de Durations y representa una fase temprana de la vanguardia americana en la que la aleatoriedad casi absoluta primaba más que el deseo experidel compositor que traspasaba aquí buena parte de la responsabilidad a los intérpretes.

Entre las piezas de Feldman se coloca el único trabajo de este concierto que pertenece de lleno al minimalismo repetitivo americano. Su autor es Steve Reich, que en ocasiones pasa por ser el introductor de la tendencia. Neoyorquino, nacido en 1936, Reich estudió percusión y se graduó en Filosofía en la Universidad de Cornell con una tesis sobre Wittgestein. Posteriormente estudió composición en la Juilliard School con Vincent Persichetti. También siguió cursos de Milhaud y tuvo contactos con el jazz. En 1964 con It's gonna rain (Va a llover) inaugura la etapa minimalista y dos años después crea su propio conjunto con el que realiza giras dando a conocer su música. A diferencia de otros minimalistas repetitivos que usan modelos melódicos o armónicos, a Reich le preocupan sobre todo los modelos rítmicos e incluso tiene piezas basasolamente en ritmos como la famosa Clapping music de 1972 en la que dos palmeros amplificados realizan un ritmo fijo y otro cambiante (de eso saben mucho los flamencos) o la muy ejecutada Drumming (Tamboreando) de 1971. Music for pieces of wood (Música para trozos de madera) es una obra escrita en 1973 para cinco pares de claves afinadas. El sonido peculiar de estos instrumentos fabricados en madese une a un trabajo polirrítmico cambiante en el que las repeticiones se van desplazando para colocarnos progresien situaciones sonoras diferentes pero sin que los cambios constantes sean inmediatamente perceptibles. Esa es la base de su minimalismo repetitivo que en puridad no se repite sino que da una sensación de estatismo a través de un movimiento leve pero incesante.

La obra de John Cage tiene una trascendencia en el arte del siglo XX mucho más allá de la propia música. Nacido en Los Ángeles en 1912 y fallecido en Nueva York en 1992, fue alumno de Schönberg y de Cowell, pianista de la compañía de danza de Merce Cuningham y un continuo investigador en numerosos campos, sonoros o no. Cultivó la escritura hien Music of Changes y la totalmente imprecisa en la serie de Variations; insistió en la utilización del sonido no intencional, de la electrónica antitecnológica, como en FonMix o Cardtridge Music, los pianos preparados (Sonatas e interludios), la influencia del pensamiento Zen y un largíetcétera. Difícil sería sumergirnos en las muy diversas direcciones que su obra tuvo o en la influencia que tuvo somúsicos y no músicos americanos o de otras latitudes. En todo caso, una de sus obras claves es precisamente la que aquí se interpreta: Ryoanji, compuesta entre 1983 y 1985. El título alude al de un jardín zen que existe en un monasterio de Kyoto construido en el siglo XVI. Consiste en tres muros de arcilla, arena blanca de grano grueso y rocas dispersas. Un espacio del vacío especial para la meditación, uno de los logros más despojados del arte del jardín japonés que bien puede calificarse de minimalista.

Cage conoció el jardín en su primera visita al Japón en 1962 y fue para él una poderosa experiencia estética. Veinte años más tarde quiso dar su visión musical del jardín con una obra que es para una combinación libre de instrumentos. Hay un lento pulso percusivo (que no tiene por qué ser propor instrumentos de percusión) en torno al cual se curvan las líneas musicales como las rocas del jardín. Cage indica que los instrumentos deben tener un impulso leve, más como sonidos de la naturaleza que de la música. El pulpercutivo es muy preciso pero el resto está escrito muy libremente buscando crear un estado mental distinto, algo análogo a lo que ocurre con el jardín de origen. Las versioinstrumentales pueden ser muy variadas pero es de las pocas obras del último Cage que son perfectamente reconoy muestran el mismo tipo de versión sea cual sea la que se ofrezca.

Tom Johnson es un compositor perteneciente a una genealgo posterior a la de los minimalistas repetitivos y, aunque en su obra hay mucho de minimalismo, se distancia de los procedimientos clásicos de la escuela. Nació en Coloen 1939 y, aun que estudió música en la Universidad de Yale fue alumno privado de Morton Feldman. Ha trabajado con reducciones de material, por lo que se le considera minipero usa fórmulas de permutación y secuencias. Su gran éxito lo consigue en 1972 con La ópera de cuatro notas , una pieza teatral minimalista y de cámara que se representó en todo el mundo. Otras obras famosas son Die Melodien (La máquina de las melodías), una obra escrita en 1996 para Colonia sobre fórmulas melódicas o La melodía compuesta en 2000 para el programa Ars Sonora de Radio Nacional de España. Este trabajo con la melodía parte de una obra que las fundamenta en 1982, Melodías Racionales.

Las vacas de Narayana es una obra de 1989 y se basa en una fórmula del matemático hindú del siglo XIV Narayana (éste es también uno de los nombres de Vishnú). La fórmuproduce tres líneas musicales que se desarrollan por un conjunto de instrumentos no predeterminado mientras un narrador explica la fórmula. Para Johnson, las matemáticas son como un ready-made en el sentido de Duchamp que le permiten crear maquinarias compositivas que pone a funsolas fuera de cualquier contexto emocional. La fórde Narayana se aplica a calcular la descendencia de una vaca que en 17 años produciría 872 unidades vivas y eso es lo que Johnson desarrolla en quince minutos de música. La serie de Narayana tiene concomitancias con la célebre sede Fibonacci (1.1.2.3.5.8.11.13.19...) pero en vez de sumar los dos últimos resultados para obtener el nuevo suma el úlcon el situado dos antes (1.1.2.3.4.6.9.13.19...). La serie de Narayana aplicada a las melodías resuelve lo que Johnson llama "transformaciones con retardo", un nuevo horizonte en el camino del minimalismo repetitivo.

GRUPO COSMOS 21
Miguel Navarro, violín
Álvaro Quintanilla, violonchelo
Juan Carlos Martínez, piano
David Arenas, clarinete requinto y en si b
Pilar Montejano, saxo, soprano y alto
Luisa Muñoz, percusión
Javier Galán, asistente

Con la colaboración de: Elies Hernandis, trombón
Guillermo Castro, guitarra
Nevenka Galán, percusión
Miriam Nuñez, percusión y órgano
Vicente Martínez, flauta
Miguel Ángel Pastor, saxo soprano y alto
Carlos Galán, piano, narrador y dirección


Early Brown
Trio for five dancers

Morton Feldman (1927-1987)
Durations I

Steve Reich (1936)
Music for pieces of wood

Morton Feldman
Projections II

John Cage (1912-1992)
Ryoanji

Tom Johnson
Las vacas de Narayana

  1. Carlos GalánCarlos Galán

    Ha estudiado piano, acompañamiento y composición en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Como pianista y director ha realizado giras por Japón, América o Italia, centrado su actividad como director dirección en el grupo Cosmos XXI. Ha estrenado más de 300 obras (en su mayoría dedicadas a él), ha publicado 12 discos, así como su obra completa para orquesta dirigiendo a la OSR de Sofía (Iberautor). Codirector de la revista Senderos para el 2000, ha publicado numerosos artículos. Como compositor ha obtenido numerosos premios nacionales e internacionales con encargos de prestigiosas orquestas y festivales. Ha impartido numerosas conferencias sobre su música matérica. Dirige a la ORCAM desde el piano solista en la película Gosta Berling Saga, además de su Concerto Grosso y en 2010 dirige, musical y escénicamente, el estreno de su ópera a·Babel en el Teatro de la Zarzuela.

  2. Grupo Cosmos 21Grupo Cosmos 21

    Reconocido por su entrega y pasión en el escenario, se presentó en 1988 en Madrid en un ciclo de jóvenes compositores del CDMC. Ha realizado giras por España, Japón, América e Italia, ha participado en numerosos festivales internacionales y ha creado la Temporada Músicas del Cosmos con ciclos en Madrid, Murcia, Córdoba, Salamanca y Sevilla. Más de dos centenares de compositores españoles y europeos le han dedicado sus obras, grabadas para RNE y en 12 discos compactos. De cara al concierto, y desde que en mayo de 1987 gestara el Cosmos 21 Carlos Galán, el grupo ha sido pionero en Europa en la consideración del mismo como un espectáculo integral en el que se tuvieran en cuenta aspectos extra musicales como el vestuario, movimiento escénico, luminotecnia, etc.