Web oficial de la Fundación Juan March
Nueva tecnología, nueva iconografía, nueva fotografía Exposición temporal

8 abril - 26 junio 2005



Los autores


ANA LAURA ALÁEZ (Bilbao, 1965)

Formada en la Facultad de Bellas Artes de su ciudad natal, está considerada una de las artistas españolas más destacadas de la última generación. Sus propuestas se caracterizan por la seducción, la pasión y el deseo; los guiños hacia la propia esencia de la creación, el narcisismo, la cultura de club y el consumismo; destaca igualmente su interés por el diseño, la moda y la música electrónica. En la serie Shiva se autorretrata sobre un espejo en una pose seductora que atrae la mirada del espectador sobre su propio cuerpo.


HELENA ALMEIDA (Lisboa, 1934)

Licenciada en Pintura por la Escola Superior de Belas-Artes de Lisboa, está considerada una de las artistas más activas del panorama contemporáneo portugués. Para la creación de imágenes utiliza su propio cuerpo como instrumento de mediación. Sus fotografías combinan de manera poética pintura y dibujo con la auto-representación, dando la impresión de bidimensionalidad y sugiriendo una relación física entre la fotografía y la pintura; su cuerpo, o parte de él, es alterado por manchas de pintura de color que se superponen a la fotografía en blanco y negro.

Fidel

Fidel, 1993-94
Juan Pablo Ballester


JUAN PABLO BALLESTER (Camagüey, 1966)

Formado en la Escuela Nacional de Arte y en el Instituto Superior de Arte de la Habana y miembro integrante del grupo ABTV de dicha ciudad en la segunda mitad de los años 80, este artista cubano reside en Barcelona desde 1994. Su obra se ve condicionada por la compleja problemática del exilio, la expatriación y el carácter irónico con el que aborda cuestiones sociales, políticas y culturales de la sociedad en la que vive. Evoca a personajes como Fidel Castro o temas como la fuga de los balseros, en espacios cargados de ambivalencia.


TINA BARNEY (Nueva York, 1945)

Nacida en el seno de una familia de la más alta sociedad americana, ha capturado insistentemente con su cámara, durante las dos últimas décadas y en fotos de gran escala, su propia vida y la del círculo de sus familiares y amigos, reflejando con una mirada íntima las relaciones personales y el estilo de vida de la ociosa y privilegiada sociedad a la que pertenece. La conversación, la lectura del periódico o las celebraciones familiares son, entre otros, temas de su interés. Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas como el MOMA de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Houston o el Museo de Arte de la Universidad de Yale.


GABRIELE BASILICO (Milán, 1944)

Está considerado uno de los fotógrafos documentales europeos más destacados. Sus estudios de arquitectura lo ponen en contacto con editoriales para las que realiza, exclusivamente en blanco y negro y por encargo de instituciones públicas o privadas, gran cantidad de fotografías. Sus campos de acción e investigación son el paisaje industrial y urbano, el territorio y la arquitectura. En 1996 el jurado internacional de la sexta exposición de arquitectura de la Bienal de Venecia le otorga el primer premio de fotografía de arquitectura contemporánea. El Stedelijk Museum de Amsterdam muestra en 2000 su obra relacionada con el libro Paisajes Urbanos y, ese mismo año, obtiene el primer premio del I.N.U., Instituto italiano para la planificación urbanística, por su contribución a la fotografía urbana contemporánea.


SERGIO BELINCHÓN (Valencia, 1971)

El interés de este fotógrafo español, que reside en Berlín, se centra en el paisaje, la ciudad y el urbanismo, ante la brutal colonización de la naturaleza por el hombre. Su trabajo, agrupado en series, capta la ciudad como habitat humano y recoge paisajes cotidianos y espacios intervenidos en permanente transformación. La gente, que rara vez aparece físicamente en sus fotografías, habita las ciudades, frías, solitarias y anónimas que representa. De igual manera se interesa por el extrarradio o las zonas suburbanas, que despiertan en el espectador similar misterio y sublimación. También reflexiona ante la acumulación de las fantasmales urbanizaciones de estructuras repetitivas de la costa, explotada masivamente por las especulaciones urbanísticas y el deseo irracional del desarrollo turístico.

Pasaje

Pasaje, 1995
Daniel Canogar


DANIEL CANOGAR (Madrid, 1964)

Sus estudios de postgrado en arte y su especialización en fotografía, en el Internacional Center of Photography de Nueva York, le facilita la experimentación con otros medios artísticos como la escultura, la instalación y la performance. En sus obras intervienen aspectos tan esenciales como la luz y la representación figurativa del cuerpo. Éste se proyecta sobre la pared como una metáfora de la fragilidad del ser humano, cuya auténtica identidad se busca en la representación del cuerpo, que unas veces se fragmenta, y otras se multiplica o se superpone. La arquitectura y la puesta en escena dotan a sus obras de un sentido del espectáculo, que cobra un especial protagonismo en sus propuestas más recientes. Sus proyectos muestran, con una radical innovación tecnológica, imágenes que proceden tanto del mundo real como del imaginario.


HANNAH COLLINS (Londres, 1956)

Sus primeras fotografías, en blanco y negro y de gran formato, remiten al relato cinematográfico, y dan paso con el tiempo a la fotografía en color. Sus imágenes, a veces monumentales, impresas sobre algodón o lino, implican al espectador en la contemplación de la obra, provocándole una cierta inquietud. Sus propuestas pueden ser entendidas como una reflexión sobre el paso del tiempo en los objetos, las personas, los paisajes o las arquitecturas que fotografía. Sus motivos, aparentemente simples, ocultan una fuerte carga simbólica o metafórica. Está representada en colecciones públicas y privadas como la Tate y el Victoria & Albert Museum en Londres, El Walker Art Center en Minneapolis, el Deutche Bank o el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.


GREGORY CREWDSON (New York, 1962)

Este creador americano está considerado uno de los más interesantes exponentes de la fotografía narrativa. Conocido por su cuidadosa puesta en escena, en la que recurre a la utilización de pesadas grúas, muchos focos y un gran equipo, pone en contraste el mundo doméstico y el natural con una actitud obsesiva y hasta perturbadora. Los personajes de sus elaboradas construcciones actúan en situaciones inusuales y sugieren un discurso narrativo misterioso que remite a un mundo sobrenatural. Profesor de fotografía en la Yale University, ejerce una gran influencia en muchos de sus estudiantes y es precursor de un grupo de fotógrafos que combinan la fotografía documental tradicional con elementos de ficción.

Brent Brooth; 21 years old;

Brent Brooth; 21 years old;
Des Moines, Iowa; $30
, 1990-93 Philip-Lorca Dicorcia


PHILIP-LORCA DICORCIA (Hartford, Connecticut, 1953)

Después de trabajar como asistente de fotógrafos profesionales, de los que aprende el uso de las técnicas utilizadas en la fotografía publicitaria, trabaja en los años 80 como fotógrafo independiente para revistas de viajes, moda o sociedad. Su obra ha sido expuesta en museos y galerías de todo el mundo En su serie Hollywood (1990-1992) plasma el mundo de los prostitutos, drogadictos y desempleados del bulevar de Santa Mónica de Los Ángeles, que son sacados del anonimato y retratados paradójicamente como estrellas de cine; hombres jóvenes y perdedores posan en lugares urbanos impersonales como moteles, hamburgueserías o aparcamientos, donde la luz y la posición del retratado han sido minuciosamente estudiados para su puesta en escena. Los títulos de las fotos recogen el nombre del modelo, su edad, lugar de nacimiento y la suma de dinero que cobra por posar.


JAN FABRE (Amberes, 1958)

Este autor flamenco, eminentemente conceptual, destaca como uno de los artistas más multidisciplinares del panorama internacional por su exploración constante y controvertida en diferentes medios de expresión: dibujo, pintura, escultura, instalación, dirección teatral, coreografía, escenografía de ópera, danza, creación y edición literaria. Es uno de los creadores escénicos europeos más relevantes; animado por una verdadera revuelta poética, y con un estilo personal, provocador y cargado de ironía, trabaja con un grupo de colaboradores, en la compañía “Troubleyn”, desde la que intenta comunicar a sus contemporáneos, mediante la trasgresión de las reglas, su visión de amante de la vida a través de la expresión del cuerpo en acción. Sus espectáculos muestran una tensión entre el universo ordenado y el caos.


JOAN FONTCUBERTA (Barcelona, 1955)

Este artista catalán ha desarrollado una actividad amplia y variada en el campo fotográfico; junto a la propia creación artística destacan, entre otras, la docencia (es profesor en los Estudios de Comunicación Audiovisual de la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona), la crítica de arte, el comisariado de exposiciones, la promoción de eventos fotográficos y la labor editorial. Como creador, entre los temas objeto de su reflexión se encuentran la representación, el reverso de las apariencias, el conocimiento, la memoria, la verosimilitud, la ambigüedad y el engaño visual, con un concepto subversivo del realismo fotográfico, donde se confunden lo natural y lo artificial, lo verdadero y lo falso. Ha promovido y fundado numerosas manifestaciones y eventos fotográficos. Ha obtenido el Premio Nacional de Fotografía 1998, además de otros galardones europeos.


CARMELA GARCÍA (Lanzarote, 1964)

Sus fotografías, de fuerte carga narrativa, ocultan una profunda reflexión sobre el mundo de la mujer, por lo que destaca como una de las representantes más significativas de la iconografía femenina de la fotografía actual. En su representación de un mundo idealizado, los hombres están ausentes y reivindica un discurso femenino autónomo, ajeno a la tradicional mirada masculina; un discurso, no obstante, abierto y misteriosamente ambiguo. En la serie Chicas, deseos y ficción (2000), la mujer, protagonista de sus representaciones, se muestra sola o relacionada con otras mujeres, en parejas o grupos, en situaciones cotidianas pero cargadas de contenido, que estimulan el deseo y la seducción y muestran la intimidad y complicidad entre ellas.


ALBERTO GARCÍA-ALIX (León, 1956)

Cronista de su época, este reconocido fotógrafo español es considerado uno de los estandartes de la llamada movida madrileña y símbolo de la cultura underground de los últimos años. El conjunto de su obra, la mayoría fotos en blanco y negro, puede ser entendido como un gran autorretrato. Su universo es el lado oscuro de la sociedad, el mundo de los suburbios, de los personajes marginales, de los supervivientes del caos, al que se siente pertenecer; el entorno de la contracultura, que recoge en sobrecogedores retratos de pintores, músicos, actores, yonquis, presos, moteros, estrellas del porno, modelos o musas. Ha sido fotógrafo de portadas e interiores de discos de emblemáticos músicos o grupos musicales, ha dirigido cortometrajes y documentales, ha interpretado, ha colaborado con cineastas y ha hecho reportajes de moda. En 1999 obtiene el Premio Nacional de Fotografía.

Rituales de Haití

Rituales de Haití, 2001
Cristina García Rodero


CRISTINA GARCÍA RODERO (Puertollano, Ciudad Real, 1949)

En 1973 inicia, becada por la Fundación Juan March, un trabajo de investigación y recopilación de fiestas tradicionales populares, celebraciones y ritos religiosos y paganos, no sólo de España, sino también de otros lugares de la Europa Mediterránea;. proyecto que culmina en su libro España oculta, publicado en 1989, por el que recibe el Premio al Libro del Año en el Festival de Fotografía de Arles. En su serie Rituales en Haití (2001) penetra con gran sensibilidad en la experiencia religiosa de sus habitantes y recoge la simbiosis entre los rituales colectivos del culto vudú a los dioses de la Naturaleza, propio de los esclavos negros importados desde África, con las celebraciones del catolicismo. Cuenta, entre otros galardones, con l el I Premio World Press Photo en la categoría de Arte (1993), el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura español y el Premio Godó de Fotoperiodismo (2000).


SUSY GÓMEZ (Pollença, Mallorca, 1964)

Trabaja con una gran variedad de medios y técnicas: dibujo, video, escultura, fotografía y otras técnicas híbridas como el collage manipulado por medios informáticos o el dibujo ampliado fotográficamente, en una búsqueda constante de nuevas formas de expresión. Continúa la estela de la tradición iniciada por el postminimalismo y su lenguaje personal, formado por imágenes de objetos reconocibles. casas, barcas, vestidos, ojos, melenas, piernas, cortinas, corazones, lágrimas, rosas…, nos hablan de forma obsesiva del amor, el interior, las apariencias, la infancia o la memoria; temas a la espera de recibir la mirada y el encuentro con el espectador, imágenes metafóricas, deudoras de un surrealismo amplio que va desde Buñuel a Louise Bourgeois o Bruce Nauman. Su obsesión por la imagen del cuerpo femenino se presenta como un autorretrato constante, con el que se aleja de otras posturas femeninas que pone en cuestión. Su estética remite al cuerpo, a la identidad femenina y al fin de la inocencia.


XAVIER GUARDANS (Barcelona, 1954)

Este fotógrafo catalán afincado en Nueva York es miembro de la Society of Industrial Artists and Designers y de la Royal Photographic Society. Después de trabajar como fotógrafo independiente en Londres, España, Tokio y París, en 1983 abre estudio en Barcelona y diez años más tarde se traslada a Estados Unidos. En 1996, fascinado por la música de jazz y blues, y por los acontecimientos históricos, realiza una serie de viajes por el Sur de los Estados Unidos, en los alrededores del río Mississippi, desde St. Louis a Nueva Orleáns, donde realiza numerosos retratos, con los que desea profundizar en silencio en el alma del retratado y ahondar con gran respeto en sus espíritus solitarios. A través del retrato en blanco y negro muestra la realidad sin añadidos.Entre los temas de sus fotografías destacan los industriales, los comerciales o publicitarios, los retratos, los viajes y la moda.


ANDREAS GURSKY (Leipzig, 1955)

A finales de los 80 estudia en la Staatliche Kunstakademie de Düsseldorf que, gracias a artistas como Joseph Beuys, Sigmar Polke y Gerhard Richter, se había convertido en escenario fundamental de la vanguardia de posguerra alemana. Allí aprende el riguroso método de Bernd y Hilla Becher, bajo cuyos postulados se configura, En la década de los 80, en la denominada Nueva Escuela de Fotografía Alemana junto a otros discípulos de los Becher como Candida Höfer, Tata Ronkholz, Thomas Ruff y Petra Wunderlich, Gursky, comienza a obtener reconocimiento público. Pero el verdadero alcance de su obra llega con sus grandes y audaces fotografías, ricas en color, que recrean multitud de detalles. El interés temático de sus obras evoluciona desde las actividades propias del ocio dominical y del turismo local de sus primeras propuestas a los espacios públicos como aeropuertos, estaciones, discotecas, enormes plantas industriales, construcciones de apartamentos, hoteles, edificios de oficinas, almacenes, supermercados, edificios de bolsa, parlamentos…, con los que muestra el impactante abismo de la civilización contemporánea, tecnológicamente desarrollada y global, donde la presencia humana resulta insignificante.


BILL HENSON (Melbourne, 1955)

Las fotografías de este artista australiano que vive y trabaja en Sydney siguen la tradición de la literatura y la pintura románticas en la era post-industrial. La gente y los lugares captados en sus fotografías evocan paisajes reales o imaginarios habitados por fantasmas de hermosas jóvenes y encantadores caballeros, lúgubres edificios, carreteras y puentes desolados sin principio ni fin que se pierden en la oscuridad y bosques de siniestras implicaciones en la exploración apasionada y visionaria del crepúsculo, que configuran situaciones ambiguas entre el día y la noche, la naturaleza y la civilización, la juventud y la madurez, lo masculino y lo femenino. A finales de los 80 el formato de sus obras cambia radicalmente; comienza a trabajar en una escala mucho mayor, manipula las imágenes y crea enormes collages. Su tratamiento de la luz, suave, sensual y melancólica resuena en sus fotografías de magistral composición. Sus obras evocan paisajes irreales de extraordinaria belleza; lugares olvidados, abandonados y desiertos, como metáforas del lado oscuro de la condición humana moderna, que provocan una tensión entre lo bello y lo grotesco.


AXEL HÜTTE (Essen, 1951)

Discípulo de Bernd y Hilla Becher en la Kunstakademie de Düsseldorf (1973-1981), pertenece a la nueva generación de fotógrafos alemanes. Su concepto de naturaleza y paisaje es, a la vez, estético y espiritual. Ha fotografiado, fruto de su afición por los viajes, lugares de los cinco continentes. Sus paisajes, algunos en blanco y negro y la mayoría en color, se muestran, bajo la estela del romanticismo nórdico, deshabitados ante amplios y desolados horizontes; paisajes sublimes, silenciosos, que, tomando la realidad como punto de partida, reconstruyen la naturaleza; paisajes tan variados como los del húmedo y denso trópico, el árido e infinito desierto, un glaciar o un espeso bosque. En los 90 inicia la serie Nocturnos con interiores de salas de exposiciones o bibliotecas y exteriores de grandes ciudades dormidas, con edificios y calles iluminados que aluden a la presencia del hombre.


CHEMA MADOZ (Madrid, 1958)

Este reconocido fotógrafo español desarrolla en 1990 el concepto de objetos que caracteriza su obra posterior, cercana a la poesía visual, la pintura y la escultura; objetos descontextualizados que trascienden a sí mismos, que son capaces de contar cosas que de ordinario ocultan; metáforas fotográficas, objetos engañosos, juegos visuales dispuestos a provocar la sonrisa del espectador y que, tras su apariencia habitual (un sobre, un guante, una cerilla, un bastón, una balanza, una maleta…) revelan una singularidad que viene definida por la ilusión del trompe l’oeil. Madoz cuestiona la actualidad, invita a la observación y la reflexión del espectador, y a descubrir los secretos que esconden los objetos. Los somete a ligeras transformaciones y los priva de su función habitual, modificando el contexto de su uso y alterando la percepción de la realidad, Premio Nacional de Fotografía y Autor Destacado de la Bienal De Houston Fotofest en 2000,entre otros premios.


ROBERT MAPPLETHORPE (Nueva York, 1946 -1989)

Su interés por la fotografía se remonta a sus primeros collages, a los que incorpora imágenes fotográficas tomadas de revistas y libros. Fascinado por las imágenes de los sex-shops de Times Square, recorta fotografías de revistas pornográficas que incluye en sus composiciones. Su paso a la fotografía como único medio de expresión se realiza paulatinamente a mediados de los 70. Pese a la excelencia de su técnica, se ha visto rodeado por el escándalo debido a su polémico contenido (explícitas escenas sexuales, relaciones sadomasoquistas). A principios de los 80 se produce un cambio en su obra, que alcanza un refinamiento y una acentuación de la belleza clásica en sus desnudos masculinos y femeninos, tratados como esculturas; en los retratos convencionales de artistas y famosos; y en las naturalezas muertas con flores, cuidadosamente dispuestas en estudiadas composiciones, cuyas formas remiten a una cruda sexualidad, más potente incluso que sus desnudos.

Doublonnage

Doublonnage, 1988
Yasumasa Morimura


YASUMASA MORIMURA (Osaka, 1951)

En sus autorretratos este creador japonés de gran proyección internacional se apropia, con perfecta ejecución técnica y aguda ironía, de obras maestras de la historia del arte occidental como la Mona Lisa de Leonardo da Vinci, la Olimpia de Manet, La Maja desnuda de Goya o Las Meninas de Velásquez. En otras ocasiones, el modelo suplantado son estrellas de Hollywood como Marilyn Monroe o Faye Dunaway. Su implicación personal en la obra se aprecia en la utilización de recursos como el maquillaje, el vestuario y los decorados. Su obra juega con la ambigüedad entre la pintura y la fotografía, la performance y la fotografía, el pasado y el presente, el original y la copia, la realidad y la ficción, lo masculino y lo femenino, lo oriental y lo occidental.




VIK MUNIZ (São Paulo, 1961)

Este creador brasileño, residente en Nueva York desde 1983, pertenece a una generación de artistas que, desde Man Ray o el Lissitsky, confieren a la fotografía la categoría de objeto, al margen de la realidad histórica y cotidiana. Recurre a una gran variedad de materiales sorprendentes e inesperados de transitoria naturaleza, que proporcionan una narración del proceso creativo y son transmisores de fenómenos psicológicos. Así, utiliza polvo (Pictures of Dust), sirope de chocolate (Pictures of Chocolate), recortes de revistas (Pictures of Magazines), alambre (Pictures of Wire) o tierra (Pictures of Earthworks).


PALOMA NAVARES (Burgos, 1947)

Esta artista española, considerada un referente internacional del arte español contemporáneo, otorga una gran carga poética a sus instalaciones multimedia, en las que combina escultura, fotografía, video y audio, que le permiten explorar nuevas posibilidades de representación. Entre los temas recurrentes de su obra destacan la condición femenina, el paso del tiempo, la imagen ideal del hombre, la cuestión de la belleza corporal o el envejecimiento. Sirviéndose de iconos de la historia del arte, selecciona fracciones del cuerpo humano: torsos, pechos, pubis, caderas o miembros extraídos de obras de Cranach, Durero, Tiziano, Rembrandt, Rubens, Modigliani o Ingres, a los que otorga nuevos significados rompiendo con los estereotipos femeninos tradicionales, como denuncia contra la tradición dominante del hombre.


RAFAEL NAVARRO (Zaragoza, 1940)

En 1977 funda, junto con Manuel Esclusa, Joan Fontcuberta y Pere Formiguera, el grupo Alabern. Su interés por la fotografía le lleva a través del reportaje, el teatro y los deportes a las artes plásticas. A través del díptico consigue combinar imágenes aparentemente diversas para ofrecer una nueva relación fotográfica, basada en la repetición, que ofrece nuevas miradas. Sus imágenes, frescas y luminosas, nos hablan de la relación entre los objetos, que pierden su condición habitual y son capaces de transmitir emociones.


ANA PRADA (Zamora, 1965)

Esta joven escultora española que vive y trabaja en Londres irrumpe en el panorama artístico en la década de los 90, con unas propuestas híbridas entre el objeto y el suceso, que combinan la práctica artística tradicional con unas técnicas innovadoras de instalación. En 1994 comienza a trabajar con objetos cotidianos y banales de materiales desechables, que transforma en objetos exóticos, cuya inesperada presencia en el espacio sorprende al espectador; objetos de producción de masas, como cuchillos, tenedores, cucharas, pajas, botellas de plástico, velas, globos, medias de nylon o rulos para el pelo que, organizados en secuencias múltiples o repetitivas y clavados, grapados o adheridos a la pared, ofrecen una nueva perspectiva.


GONZALO PUCH (Sevilla, 1950)

Se adscribe a una corriente fotográfica que surge en los años 80, denominada documentalismo-ficción, cuyos seguidores toman como referencia el cine, la pintura de historia o el fotoperiodismo, con el objetivo de otorgar una apariencia real a narraciones ficticias. Profesor en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca, algunas de sus últimas propuestas fotográficas incluyen objetos (libros, pizarras, maquetas, mapas y hasta sus propios alumnos) que remiten a la actividad docente que comparte con su producción plástica.

Góndolas. Venecia

Góndolas. Venecia, 1990
Robert Rauschengerg


ROBERT RAUSCHENBERG (Port Arthur, Texas, 1925)

Pionero del arte multimedia, este creador trabaja con un amplio repertorio de temas, estilos, materiales y técnicas. Formado en la renombrada escuela del Black Mountain College, en Carolina del Norte, se traslada a Nueva York en 1949, donde realiza unas primeras obras de pincelada suelta, cercanas al expresionismo abstracto. A mediados de los años 50, y en su intento por conciliar el arte y la vida, comienza a realizar los combine-paintings, obras en las que compagina el lienzo con el ensamblaje de objetos dispares del mundo real, algunos de desecho, que yuxtapone sin relación alguna. Su temprano interés por la fotografía se renueva a partir de 1979 con una afición por los temas comunes y callejeros. Desde entonces, las imágenes que incorpora a su trabajo proceden exclusivamente de sus propias fotografías.



THOMAS RUFF (Zell am Harmersbach, 1958)

Considerado uno de los fotógrafos de más reconocido prestigio de la escena internacional. Su experiencia práctica, junto con su interés por el medio urbano y por la fotografía de la arquitectura de la Bauhaus, le permite desarrollar su obra en series, en las que combina referencias históricas con temas contemporáneos y manipula el medio sirviéndose de una tecnología punta. Realiza una profunda investigación de la historia de la fotografía y de la imagen fotográfica, rechazando su tradicional cualidad de representación de la realidad, especialmente interesado por el proceso de la percepción. Representante de Alemania en la Bienal de Venecia de 1995 forma parte de la generación de nuevos fotógrafos alemanes que defienden la objetividad como estandarte de sus postulados.


SEAN SCULLY (Dublín, 1945)

Este irlandés de nacimiento, que actualmente reside y trabaja en Barcelona, Londres y Nueva York, es uno de los artistas más respetados del panorama plástico actual. Bajo la influencia de Mondrian, Rothko y Matisse, su lenguaje pictórico es fruto de sus investigaciones sobre las ilusiones ópticas, la percepción del relieve a través de estructuras seriadas y la sensación de movimiento que genera la superposición; destaca la utilización de líneas, franjas y bloques de color que cubren sus cuadros horizontal y verticalmente. Interesado por la capacidad expresiva y emocional de la pintura, y en la tradición del minimalismo, sus composiciones geométricas de intensas vibraciones cromáticas denotan un proceso de creación por capas que acumulan diferentes pigmentos.


CINDY SHERMAN (Glen Ridge, New Jersey, 1954)

Esta fotógrafa americana irrumpe en la escena neoyorquina a principios de los 80 junto a una generación de artistas preocupados por los códigos de representación. Su obra más temprana, la serie Untitled Film Still, de finales de los 70, compuesta por 69 fotografías, le permite cuestionar la identidad femenina, su principal preocupación teórica, junto a la inestabilidad, la ambigüedad y la fragilidad. Desde 1977 Sherman toma pequeñas fotografías en blanco y negro de sí misma; se representa sola, seductora, como una heroína cinematográfica, en distintos escenarios. Todas sus obras, excepto los maniquíes y sus fotografías de fluidos corporales, son autorretratos, aunque ella no los considera como tales.


THOMAS STRUTH (Geldern, 1954)

Durante varios años, interesado en explorar espacios urbanos, fotografía la ciudad de Düsseldorf en blanco y negro. Posteriormente fotografía la ciudad de Nueva York, a la que se desplaza gracias a una beca de estudios. Siguen fotografías de las calles vacías y fantasmagóricas de ciudades inglesas, francesas e italianas, pero también americanas y asiáticas, donde los edificios y los coches son evocadores de la presencia humana. También cultiva el género del retrato de familia o amigos, así como el de los visitantes de museos públicos, donde estudia las conductas de sus visitantes. Otro de los géneros que trabaja es el de los paisajes o naturalezas exuberantes de selvas y bosques de todo el mundo, a los que otorga un punto de vista menos rígido y ordenado.


TUNGA (Palmares, Pernambuco, 1952)

La poética del artista brasileño Antonio José de Barros Carvalho e Mello Mourao, conocido como Tunga, se alimenta de cuestiones cruciales para el hombre, como la vida, la muerte, la memoria, la sexualidad o el sueño. Tunga genera historias; narraciones con analogías inesperadas, marcadas por la ambigüedad y la proliferación de los sentidos. Sus instalaciones y performances, que él prefiere llamar instauraciones, sus diseños, fotografías, happenings y películas forman parte de su intensa y variada producción. En su iconografía se encuentran lagartijas, escarabajos, pelucas, trozos de hierro, madera, oro, goma, trapos, vidrios, plata, que contribuyen a la puesta en escena de su imaginación desbordante.


IAN WALLACE (Shoreham, 1943)

Este artista de nacimiento británico que reside en Canadá desde 1944 ha contribuido a la reputación de Vancouver como centro puntero de creación artística y, como fundador del fotoconceptualismo, ha ejercido una gran influencia en artistas como Jeff Wall, Ken Lum o Rodney Gram.. Sus primeras fotografías, de finales de los 60, reflejan el arte conceptual de la época; en los años 70, Wallace desarrolla con grandes posibilidades expresivas una serie de fotografías de gran formato para las que pide a varios amigos tomar parte en escenarios de ficción; y, desde principios de los 80, realiza fotolaminados sobre lienzo yuxtapuestos a zonas pintadas, en los que combina una pintura monocromática, abstracta y pura, con la fotografía documental. En sus obras aborda temas de historia, naturalezas muertas y la vida urbana en la calle.

Las meninas

Las meninas , 1987
Joel-Peter Witkin


JOEL-PETER WITKIN (Nueva York, 1939)

Las imágenes sobre la condición humana de este inquieto fotógrafo americano son extraordinariamente poderosas, misteriosas, perturbadoras, terroríficas y a la vez fascinantes; son paradojas visuales que desafían la percepción del espectador en contextos cargados de ambigüedad. En los años 80 escandaliza a la opinión pública cuando, interesado por cualquier forma de perversión y rareza extrema, y especialmente atraído por los cadáveres, busca sus propios colaboradores en visitas a escuelas médicas y morgues y mediante anuncios en prensa.

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