Web oficial de la Fundación Juan March
MAXImin. Tendencias de máxima minimización en el arte contemporáneo Fundación Juan March, Madrid. 8 FEBRERO - 25 MAYO 2008

A–Z

LOS ARTISTAS Y LAS OBRAS

EL PLANO


Además de los 82 artistas en exposición, aparecen en él en negrita los términos (corrientes, agrupaciones o escuelas) de los que existe entrada en el glosario de este catálogo. La combinación de lectura y visión que ofrece el diagrama permite tener presente, con evidencia inmediata y continuidad, toda la compleja red espaciotemporal de relaciones históricas e influencias mutuas entre artistas de que se ocupa el texto de Renate Wiehager, que describe, paso a paso, esa red. El plano permite visualizar de inmediato, en cada instante y en cada pasaje de la lectura, en cada aspecto parcial (en cada lugar de la exposición), la totalidad de la red.

Al pasar por cada una de sus partes, puede tenerse al mismo tiempo a la vista el todo de un siglo de tendencias abstractas y minimalistas, justamente el siglo cuya variada historia cuentan, en esta exposición, lasobras de la Colección Daimler seleccionadas para ella.

ABSALON F3

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Absalon
Disposición, 1988

Artista multimedia israelí-francés (Ashod, Israel, 1964 – Paris, 1993. Los espacios vitales propuestos por Absalon son realizaciones arquitectónicas y esculturales de experiencias corporales existenciales ancladas en teorías del Minimal Art. A partir de 1988 realizó obras sobre todo en miniatura, y desarrolló pequeñas unidades de espacios vitales, llamadas “celdas”, hechas a medida al tamaño de su propio cuerpo y equipadas con las necesidades básicas para vivir.

MAX ACKERMANN A1

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Max Ackermann
Cromático
espacial
, 1937

Pintor alemán y profesor de arte (Berlín, 1887 – Unterlengenhardt/Bad Liebenzell, Alemania, 1975). Ackermann fue un fiel discípulo de Adolf Hölzel y de su teoría básica de la “Pintura absoluta”. Hasta finales de los años 40 la obra de Ackermann osciló entre la pintura figurativa y la no-representativa, resultado de sus estudios de cubismo y futurismo desde 1913, las tendencias constructivistas alrededor de 1921 y la influencia de la obra de Léger a partir de 1926. La musicalidad de las líneas en la obra de Ackermann, así como sus contrastes básicos de líneas, formas y colores se aprecian en su Cromático espacial.

JOSEF ALBERS B2 C5 D1

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Josef Albers
Mesas nido, 1926-27

Pintor alemán-americano y profesor de arte (Bottrop, Alemania, 1888 – New Haven, Connecticut, EE. UU., 1976).Las obras de Albers en la Daimler Kunst Sammlung muestran el amplio alcance de su obra a lo largo de su larga trayectoria. Su obra más temprana, las Mesas nido, –que diseñó en la década de los años veinte, en la misma época en la que fue director del taller de muebles de la Bauhaus (1928/29)– sigue el mismo principio que sus pinturas, es decir, alcanzar “la máxima utilidad con los mínimos medios.

SHUSAKU ARAKAWA C6

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Shusaku Arakawa
Cuadro de la mañana,
retrato de una civilización
, 1969

Pintor, diseñador, artista de Performance y cineasta japonés (Nagoya, 1936); vive y trabaja en los Estados Unidos. El conjunto de obras de Arakawa constituye una interrogación del “juego” entre lenguaje e imagen, entre significante (una palabra, por ejemplo) y significado (el objeto que designa la palabra), así como el trato con el imaginario y las cuestiones centrales de los dadaístas y en particular de Marcel Duchamp. En MAXImin, Arakawa está representado con su obra de 1969 Cuadro de la mañana, retrato de una civilización . Sus obras tienen un aspecto semejante al de los diagramas científicos y son conceptualmente similares a los discursos filosóficos.

ARE YOU MEANING COMPANY G3

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Are You Meaning Company
Casas "Are You Meaning", 2003

Artista de instalaciones japonesa (Tokio, 1973) Are You Meaning Company es el seudónimo que utiliza la artista Ayumi Minemura en sus manifestaciones artísticas. Aquí se muestra una instalación de su proyecto Casas “Are You Meaning” (2003), que consiste en una composición de casas de papel en miniatura que sólo difieren en los vivos colores de sus tejados. La instalación está supeditada al espacio de la galería, lo que la convierte en una pieza interactiva que invita al que la contempla a habitar el espacio social íntimo descrito a través de la presentación de las casas.

JOHN M ARMLEDER G2

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John M Armleder
Con las dos lámparas de araña
(Escultura-mueble)
, 1993

Escultor y pintor suizo (Ginebra, 1948); vive y trabaja en Ginebra y en Nueva York. Armleder está representado en MAXImin por dos cuadros sin título de su primera etapa de mediados de los ochenta, así como por dos de sus FS (Furniture Sculptures; “Esculturas Mueble”). En su serie FS, Armleder crea confrontaciones entre la alta cultura y lo banal, y sus obras son, en consecuencia, un comentario irónico a la continua estetización de la vida diaria. Al mismo tiempo, reflejan cómo el arte está cada vez más influenciado por la vida cotidiana y cuáles son las consecuencias de trivializar el contenido artístico y sus valores.

JEAN (HANS) ARP B2 B3 C3

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Jean (Hans) Arp
Sombrero-ombligo, 1924

Poeta, pintor y escultor francés (Estrasburgo, Francia, 1886 – Basilea, Suiza, 1966). La obra de Arp está vinculada a las vanguardias artísticas más importantes de principios del siglo XX: el dadaísmo, el surrealismo y los inicios del arte abstracto. Desde 1916, Arp se hizo un nombre como poeta, escultor y pintor. Su juego asociativo con la ambigüedad lingüística encuentra su equivalente pictórico en sus collages, esculturas y relieves. Su obra gira intelectualmente en torno a dos formas artísticas centrales: el mundo orgánico vegetal y la figura humana.

JO BAER C6

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Jo Baer
H. Arcuata, 1971

Pintora estadounidense (Seattle, Washington, 1929), vive y trabaja en Amsterdam. H. Arcuata (1971) –en referencia al nombre botánico de una especie de las orquídeas– pertenece al grupo de obras que Baer pintó alrededor de 1970 (por aquel entonces se hizo miembro de la Sociedad de Orquídeas y escribió dos ensayos que versaban sobre ellas). Todas ellas están pintadas con múltiples puntos de vista en mente y se cuelgan a una altura inusualmente baja, de forma que puedan ser leídas explorando visualmente la superficie pintada que continúa a ambos lados del lienzo. Con el desarrollo de una pintura antiilusionista, Baer consigue proporcionar al medio una presencia visual con resplandor físico.

IMRE BAK D3

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Imre Bak
Formación I, 1969

Pintor húngaro (Budapest, 1939). Siendo uno de los defensores iniciales del Cubismo y antes de verse implicado en el informalismo y tachismo, la obra de Bak se transformó radicalmente a final de los años sesenta cuando hizo suyos aspectos del abstraccionismo post-pictórico americano y de la pintura de borde duro (Hard Edge). Formation (Formación I )(1969) es un ejemplo temprano de sus cuadros imagen-objeto sobre madera que marcó el punto más extremo de esta transformación. Bak lo describió él mismo como la realización “del espacio en la forma”.

ROBERT BARRY C6

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Robert Barry
Cuadrado de oro, 1966

Artista estadounidense (Nueva York, 1936); vive y trabaja en Nueva Jersey. Junto con los artistas Dan Graham, Douglas Huebler, Joseph Kosuth y Lawrence Weiner, Barry pertenece a la primera generación “oficial” de artistas conceptuales estadounidenses de mediados de los 60. Creó un conjunto de obras muy diverso que incluye pinturas, libros, proyecciones, piezas musicales, instalaciones, grandes composiciones murales y vidrieras. De todos los componentes del grupo, fue probablemente el que más se comprometió a hacer del arte algo inmaterial, algo que vemos evolucionar en Cuadrado de oro (1966).

WILLI BAUMEISTER A1 B3 C3

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Willi Baumeister
Montaru sobre rosa, 1953

Pintor alemán y profesor de arte (Stuttgart, Alemania, 1889-1955). En la exposición está representado por obras realizadas durante los últimos años de su vida. Fueron sus años más creativos, después de que su alistamiento en la Primera Guerra Mundial y la desgracia de haber sido considerado un artista “degenerado” por el régimen nazi durante la Segunda Guerra Mundial le obligaran a interrumpir sus estudios y su obra. Montaru sobre rosa (1953) pertenece a la serie de cuadros Montaru (1953-55) con formas suaves, orgánicas y sugerentes, a veces antropomórficas, que el artista describe como representaciones de sensaciones.

KARL BENJAMIN D5

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Karl Benjamin
Barras rojas,
blancas y negras
, 1959

Pintor estadounidense (Chicago, Illinois, 1925); vive y trabaja en California. Tras experimentar con el expresionismo abstracto y el cubismo, Benjamin comenzó sus primeras obras abstracto-geométricas en 1951, dedicándose por completo a este movimiento desde 1957. En 1959 fue presentado, conjuntamente con Lorser Feitelson, Frederick Hammersley y John McLaughlin, en la importantísima exposición Four Abstract Classicists en el Los Angeles County Museum of Art, que dio origen al término Hard Edge Painting (Pintura de borde duro). De ese año es el cuadro de Benjamin Barras rojas, blancas y negras (1959) que refleja los parámetros pictóricos que introdujo en su obra, como la repetición, y sus despersonalizados métodos de producción.

MAX BILL B2 D1 D2 C3

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Max Bill
Concentración para
caput mortuum
, 1972-73

Pintor alemán, escultor, arquitecto, artista gráfico y profesor de arte (Winterthur, Suiza, 1908 – Berlín, 1994). Tres de los principios de Bill, - formación básica en observación, análisis de lo que está presente y estructura del fenómeno global–, son fundamentales para comprender su obra creativa. Una de sus primeras obras, Quince variaciones sobre un mismo tema (1935-38), puede entenderse como una especie de lección visual dada al espectador sobre producción y construcción de obras de arte. A finales de los años cuarenta, Bill comenzó a rotar lienzos dejándolos en forma romboidal, como en la obra Concentración para caput mortuum (1972/73), que él denomina “Spitze Bilder” (cuadros puntiagudos).

HARTMUT BÖHM E3

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Hartmut Böhm
Relieve de bandas 16, 1977

Pintor y escultor alemán (Kassel, Alemania, 1938).Böhm ha trabajado sistemáticamente en la ampliación y el cuestionamiento del arte en la frontera entre el Constructivismo, el Arte Concreto y el Minimal Art. Sus investigaciones, que reconduce a través de sus dibujos, relieves e instalaciones espaciales, se basan en reducir los recursos formales de forma sistemática y hasta el límite. En los años setenta, bajo la influencia del grupo de nuevas tendencias, Op art yArte cinético, empezó a utilizar materiales industriales, sobretodo el plexiglás, para crear relieves, convirtiendo así sus primeros trabajos en obras tridimensionales. Un ejemplo claro es su obra Relieve de bandas 16 (1977).

ILYA BOLOTOWSKY A6 C5

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Ilya Bolotowsky
Rombo grande negro,
rojo y blanco
, 1971

Pintor y dramaturgo ruso-americano (San Petersburgo, Rusia, 1907 – Nueva York, 1981). Bolotowsky, de origen ruso y establecido en Estados Unidos desde 1923. A mediados de la década de los cuarenta, encontró una fuente de inspiración en las obras de Piet Mondrian, a quien había conocido en 1933, convirtiéndose finalmente en su seguidor más influyente. La obra de Bolotowsky muestra la fuerza con la que la abstracción geométrica norteamericana estaba unida a los progresos en Europa. Mondrian le sirve de inspiración para sus “lienzos con forma”: la forma romboidal de Rombo grande negro, rojo y blanco (1971).