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Aula de (Re)estrenos:

Introducción

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NOTAS AL PROGRAMA
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GENERACIONES CATALANAS

La presente sesión del Aula de (Re)estrenos añade al indudable interés que todas ellas tienen, el incentivo de poder escuchar una antología de la música catalana reciente fijándose en autores que pertenecen a una generación reciente o que, desarrollando una labor de interés no son de los más conocidos en los conciertos habituales. Cierto que se incluye una obra de Albert Sardá, un autor bien difundido y ya clásico de la vanguardia catalana y que como compositores "invitados" para no hacer una sesión exclusivamente de Cataluña, se integran el vallisoletano Jesús Legido y la navarra Teresa Catalán, nombres también con gran peso específico en el panorama de la actual música española. Pero el núcleo central de la sesión se desarrolla en torno a una serie de compositores del área catalana que representan la última hora en las tendencias compositivas no sólo en el aspecto cronológico sino también en cuanto a la diversidad de estilo, tendencias y estéticas. Todo ello servido por un conjunto que , pese a su relativa bisoñez, ya que está fundado dentro del siglo XXI puesto que nace en 2001, se ha destacado muy claramente como uno de los más interesados en interpretar música contemporánea en las mejores condiciones de cuantos actualmente actúan en o desde Barcelona. Tactum es una agrupación de cámara que representa también un proyecto estético, prácticamente una proclama vital para la vigencia de las actuales músicas en toda su diversidad y sin perder de vista a los grandes clásicos de la música del siglo XX mostrando una proclividad especial por la música escénica ya que han participado en el montaje de varias óperas de cámara, género que gustan de frecuentar y de donde tienen incluso su propio origen. Su director y creador es Enric Ferrer que es también un distinguido compositor como podrá comprobarse al escuchar la obra que cierra el programa y que es de su autoría.
El programa es además una muestra de la variedad de pensamiento que vertebra la actual música ya que está lejos de ofrecer una uniformidad estética o técnica, antes bien, muestra como la postmodernidad ha servido, cuando menos, para dinamitar antiguos dogmas y para mostrar que los caminos de la creación sonora pueden discurrir por los más impensados vericuetos y, sin necesidad de sistemas predominantes, dar origen a músicas que son de interés. Todas las que figuran en el programa lo tienen, y además lo hacen por muy distintos caminos. En realidad, se puede decir que no es fácil encontrar hoy día grupos que muestren una tal apertura mental, en relación a las tendencias compositivas, a la hora de exponer sus repertorios. Por eso, la visita de Tactum me parece importante ya que permite conocer en Madrid un trabajo interpretativo que es muy digno y una serie de músicas que, cuando menos, merecen la oportunidad de ser conocidas.

DIAGNÓSTICO: MANIACO - DEPRESIVO (Eduardo Diago)

Una alternativa muy válida dentro de las corrientes actuales es la que presenta Eduardo Diago. Nacido en 1959 estudió guitarra, flauta y composición en Argentina y a partir de 1981 y hasta 1988 continúa sus estudios musicales en Barcelona, donde desde entonces reside, acercándose también al violín y la electroacústica. Se ha especializado en pedagogía musical en Hungría. En 1987 obtuvo el Primer Premio de la cuarta edición del Concurso de Composición Valentín Ruiz Aznar con el monodrama Ecce Homo que más tarde estrenarían Inmaculada Burgos y Carlos Galán. Desde 2004 es Vicepresidente de la Asociación Catalana de Compositores
Eduardo Diago se ha interesado mucho por el teatro musical y prueba de ello es que es autor de nada menos que once óperas de cámara, siete de ellas estrenadas. En 1988 fundó un grupo dedicado al teatro musical y muchas de sus obras recientes han sido producidas por su propia compañía.
Entre sus obras musicoteatrales estrenadas destacamos Estar alerta es poco (1990). ...y un tablero (1993), Casting (1995), Cecilio in memoriam (1997), Omar el impotente (1998) o Esquizofrenia (2000) o Buenos Días (2005) integrada en el tríptico Decorado con tres vistas. También es autor de un nutrido catálogo instrumental que comprende obra para piano o para guitarra pero también para banda sinfónica como Miss Heidi y Mr. Hyde (2005) o la cantata para banda y bajo (él la define como "cantata irónica") La Pasión (según Evaristo). Para grupo instrumental ha escrito piezas como Déjame el mando a distancia (2001), Medio lleno, medio vacío (2001) o Insomnio (2003) .
La música de Eduardo Diago se sirve no sólo de elementos visuales sino también de otros que proceden de la psicología o la sociología, todo ello visto generalmente bajo un prisma irónico que sirve, a la vez, de distanciamiento y de revelación de una realidad más profunda. Diagnóstico: maniaco-depresivo es una pieza instrumental escrita para el Grupo Tactum que hoy la estrena. El autor no es partidario de presentar las obras con una descripción técnica o estructural y, en su lugar, nos remite un texto poético que reproducimos literalmente:

Un día no está ni para andar
y se le nublan las piernas
al compás de una mente
que sólo se persigue a sí misma
mientras se mira en el espejo
de la auto compasión.
Pero al día siguiente
se come al sol de un bocado
y, desparramando chispas por doquier,
vomita vatios de optimismo.
Día sí. Día no.
Hay quienes lo sufren con sordina
y quienes le animan con audífono.
Día sí. Día no.
De pronto,
uno de esos días poco definidos,
la distracción le aparca
en un salón de baile
y sus nubes y soles
se abrazan en un tango
que transpira una orquesta
de tics psicoanalistas.

Eduardo Diago


QUINTET TORROELLENC (Doménech González de la Rubia)

Este compositor y director de orquesta nació en Mérida en 1964 y estudió en Barcelona dirección, composición y pedagogía musical y también cursó otros estudios musicales en Bratislava (Eslovaquia) ciudad que en 1987 le otorgó una medalla por sus trabajos como musicólogo. Como compositor ha obtenido diversos premios en concursos (Enric Morera, Joaquim Maideu etc). Ha realizado una amplia labor como conferenciante y articulista publicando también crítica musical. Ha sido director de la Escuela Municipal de Música de Torroella de Montgrí (Gerona) y de la Escuela de Música SEK de Barcelona. Como director ha estado al frente de numerosas orquestas y bandas y en 1994 fue titular del Grupo Sitges. Es Vocal del Conseil Català de la Música y de otras instituciones y miembro del Instituto Thalberg de Nápoles por sus estudios musicológicos sobre este pianista-compositor. Otro autor que ha estudiado a fondo como musicólogo es el operista Meyerbeer.
La obra de González de la Rubia es muy variada y muestra un cierta versatilidad estilística. La Obertura sinfónica sobre temes populars es de 1993 y se dedica a la orquesta, pero para banda estrena en 1999 El taller de Christian. Otras obras para grupos instrumentales son El Somni de Roso de Luna (1998) o Carlitos Volant (1999) dedicada a Carlos Gardel y ambas estrenadas bajo su dirección con el grupo Sitges 94.
Hoy se va a escuchar como reestreno el Quinteto Torroellenc, una obra para flauta, clarinete, violín, violonchelo y piano de cierta envergadura que está escrita entre 1994 y 1995 por encargo del XV Festival Internacional de Torroella de Montgrí donde se estrenó el 22 de Julio de 1995. La obra está concebida en tres movimientos. El primero, Viu (Vivo) es una forma sonata con una introducción y se basa especialmente en una estructura rítmica que recorre los diferentes temas. El segundo movimiento es Lent amb variacions (Lento con variaciones) está basado en una conocida canción folklórica catalana (El noi de la mare) que es tratada según una técnica de variaciones que aprovecha los diversos recursos compositivos de esta forma. El tercer movimiento es Allegro amb Rauxa (Allegro con rabia) que participa de las formas del rondó y la sonata y también se basa en algunos elementos populares. El autor nos advierte que en esta ocasión ha autorizado la interpretación de los movimientos primero y tercero.


ENDECHAS (Jesús Legido)

En el panorama musical castellano-leonés de los últimos años han destacado diversos nombres que han adquirido notoriedad a nivel nacional e incluso internacional. Compositores como Claudio Prieto, Alejandro Yagüe, José María García Laborda y otros muchos han ido marcando la creatividad musical de esa área pero sin duda entre los más relevantes se encuentra la personalidad del vallisoletano Jesús Legido.
Jesús Legido nació en Valladolid en 1943 y en esa ciudad empezó sus estudios musicales, primero con su padre y luego en el Conservatorio Profesional. También realizó estudios de magisterio. Entre 1965 y 1985 ejerció como Profesor de Educación general Básica. En 1972 se traslada a Barcelona donde estudia con Charles Guinovart y Xavier Montsalvatge. En 1977 se traslada a Madrid donde sigue cursos con Antón García Abril, Román Alís y Carmelo Bernaola. Gana diversos concursos musicales y en 1985 las oposición al cuerpo de Profesores Agregados de Bachillerato en la especialidad de música. También ha sido profesor de la Escuela Superior de Música Reina Sofía.
Como compositor, Jesús Legido ha desarrollado un estilo basado en el sólido dominio de la técnica que se pone al servicio de la rigurosa estructuración de la obra para que pueda transmitir su mensaje musical. Para la orquesta ha compuesto obras de importancia como Saudades, una obra terminada en 1979 para barítono y orquesta sobre textos de Rosalía de Castro que se estrena en 1984. o Invocaciones, sobre textos de León Felipe encargada por el CDMC para el Festival de Alicante de 1989. De gran envergadura y ambición la Missa solemnis compuesta en 1992 para conmemorar el IV Centenario de la Diócesis de Valladolid que se estrena en 1995 y se publica en partitura y CD por Las Edades del Hombre. Legido ha dedicado además una buena atención a la música de cámara tanto en la escritura de obras para grupos como para las formaciones clásicas de la especialidad y otro terreno en el que también han destacado sus producciones es en el de la música vocal.
Endechas es una obra escrita a finales de 2003 para flauta, fagot, violín, viola, violonchelo y piano. La obra se compuso a requerimiento del Grupo de Cámara de la Orquesta de Radiotelevisión Española pero no llegó a estrenarse. Al conocerla Enric Ferrer mostró mucho interés por interpretarla con el Grupo Tactum a quien el compositor la dedica finalmente. Por eso en esta ocasión tiene lugar su estreno absoluto.
El título, nos dice el autor, no debe entenderse como una referencia a cierto tipo de canción triste sino como una composición estrófica y poética por la que siente predilección. La obra se estructura en tres movimientos en los que el elemento rítmico es predominante. El primero es un Allegro Affetuoso en el que los ritmos regulares se enfrentan a los compases de 5/8 y que es un diálogo fluido entre cuerdas y piano con un episodio central lírico para piano y flauta y un final insistentemente percusivo. El segundo, Moderato e dolente, se adapta más al sentido melancólico de la endecha con un tratamiento técnico y una dinámica en ascenso y luego en descenso hasta el pp final. El tercero es Allegro vigoroso y retoma el ritmo inicial incisivo y penetrante pero con mayor regularidad esta vez. El ritmo trepidante se mantiene sobre notas repetidas pero la obra acaba como un gradual extinción.


TRALOC (Albert Sardá)

Sin duda, la de Albert Sardá es una de las mayores personalidades musicales de la música catalana de la segunda mitad del siglo XX. Nacido en Barcelona en 1943 , se sitúa intergeneracionalmente entre esos compositores que se encuentran entre la Generación del 51, nacidos en torno a 1930 m y la promoción nacida después de 1950. Estudió música con Josep Soler al mismo tiempo que realizaba estudios de ingeniería industrial y se licenciaba en Historia del Arte. Ha sido profesor en los conservatorios de Badalona y Manresa, este último lo ha dirigido también. Entre 1981 y 1992 fue Presidente de la Asociación Catalana de Compositores y en ese último año crea la Fundación de Música Contemporánea que dirige desde entonces realizando una importante labor de promoción de la música actual. También funda y dirige el Curso de Composición e Interpretación de Música Contemporánea de Sitges. Es catedrático de Historia y Estética del Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona.
La música de Sardá muestra una vinculación a la tradición avanzada de la música catalana desde Taltabaull (sobre quien realiza su tesis doctoral) hasta Soler pero adquiriendo pronto perfiles propios y un sano sincretismo estético y técnico que, no obstante, no dimite nunca del máximo rigor. Ya las 8 Piezas para orquesta de 1973 mostraban una salida sensorial del estructuralismo en que se insertan ,lo que se evidencia en obras orquestales posteriores como el magnífico Concert per a violoncel i orquestra (1986), Xaloc (1989) o Kouroi (1989). En la música escénica destaca su ópera L'any de Gracia (1992), uno de los más rotundos triunfos de la ópera en España en el último cuarto de siglo. En el campo de la música para conjuntos destaca desde Isorritic (1971) por su personalidad. Otras obras son L'Ombre (1979), Empordá hivernal (1991), para orquesta de cuerda, Catorce maneras de sentir la pluja (1992) y otras.
Traloc se escribe en 1995 por encargo de Asociación Catalana de Compositores y se estrenó el 22 de Julio de ese año en el Festival Internacional de Torroella de Montgrí precisamente en el mismo concierto en que se estrenara la obra de González de la Rubia que figura en este mismo programa. El título alude al dios de la lluvia en la mitología azteca. Varios lenguajes confluyen en la obra interrelacionándose melódica, rítmica y tímbricamente. Las melodías preestablecidad crean entre sí un contrapunto riguroso en el que los acentos se van desplazando lo que provoca diferentes situaciones armónica y de color. El cambio de las dinámicas produce también momentos de tensión y distensión que ayudan a conformar la estructura formal de la obra.


LAS MOIRAS (Teresa Catalán)

La compositora navarra Teresa Catalán es una de las más importantes personalidades de la creación actual española tanto en el campo compositivo como en el de la enseñanza. Nacida en Pamplona en 1951 estudió en su ciudad natal con Fernando Remacha, Agustín González Acilu y Ramón Barce. Doctora en Arte por la Universidad de Valencia ha publicado un importante libro sobre Sistemas compositivos temperados en el siglo XX. Catedrática de Composición por oposición ha desarrollado esa labor en el Conservatorio de Zaragoza y actualmente en el Conservatorio Superior de Madrid .También ha dirigido el Festival y Curso de Veruela (Zaragoza)
Como compositora, Teresa Catalán formó parte del grupo Iruñeako Taldea, fundado en Pamplona, y con él participó activamente en la composición colectiva El rapto de Europa (1987). Su obra personal es amplia y variada mostrando un gusto por la forma estricta pero al servicio de una expresión poética. Cuarteto sin número o Cuatro nombres de mujer, ambas de 1985, muestran ya un talento personal continuados en Figuras 1 y 2 (1987 y 1988), el exitoso Rondó para un Mayorazgo (1988), Poemas humanos (1989) hasta las dos Elegías (1995 y 1999). Para el piano ha compuesto obras del atractivo de Juguetes rotos (1995).
Las Moiras es una obra compuesta en este mismo año para el Grupo Tactum que la estrenará el 20 de Marzo en Barcelona por lo que aquí será rigurosamente un reestreno. La obra es para flauta, clarinete, fagot, violín, viola, violonchelo y piano y tiene mucho que ver con el interés que la autora ha mostrado en ocasiones por la mitología como ocurre con su Viaje a Cólquida. Las Moiras son seres de la mitología griega que equivalen a las romanas Parcas, tal vez más conocidas popularmente entre nosotros. Según los mitos eran hijas de Zeus y Temis, pero también otras fuentes (como el propio Hesíodo) las hacen hijas de Nix (La Noche) que concebía sola. Son tres: Cloto (la que hila el destino), Láquesis (la que lo determina) y Átropos (la que lo cumple inflexiblemente). Sobre la manera en que ello se refleja en la obra y cómo está ésta realizada, la compositora prefiere no dar ninguna orientación.


FANTASIA OPERÍSTICA (Enric Ferrer)

Fundador, director y animador del Grupo Tactum que hoy nos visita es el compositor Enric Ferrer, una de las más interesantes personalidades de la reciente música catalana. Nacido en Barcelona en 1958, reside desde 1991 en Tarrasa. Estudió en el Conservatorio Superior del Liceo de Barcelona y siguió estudios de piano con Albert Atenelle. La composición la realizó con Josep Soler y Juan José Olives. Ha sido profesor de la Escuela Municipal de Música de Tárrega. En 2001 funda Tactum asumiendo la dirección del grupo. Ferrer se ha interesado mucho por el mundo de la ópera desde que en el 2000 estrena Pentesilea en el Teatre Lliure de Barcelona. Posteriormente estrenó en el Teatre Malic de Barcelona Les contes de Sade. En otras músicas no operísticas ha mostrado predilección por la voz como en Amb la ginesta (2000) para orquesta y coro, Cants del temps primer (2001) para soprano, coro e instrumentos, Oval (2002) para soprano y conjunto, Les anelles des anys (1994) para dos sopranos y piano y otras. Músicas puramente instrumentales son 6 - gener para órgano (1998)o Sinfonía para orquesta de cuerda (1997).
Fantasía operística es una obra compuesta a partir del material temático usado en una ópera de 1999 pero en vez de una tragedia, que es lo que era la ópera, aquí tenemos un divertimento. La razón es que el Grupo Tactum ,con todos sus cambios y ajustes posteriores, nació de la experiencia de aquella ópera y ha constituido un gran estímulo vital para su director que confiesa ser esencialmente optimista. Como aquella ópera les permitió ser un grupo estable, con ese material ha hecho una obra de otro signo que dedica a los intérpretes de Tactum.
Hay cinco episodios en la obra que tienen un material común o íntimamente relacionado. Evolucionan de unos a otros siendo cada cual una consecuencia del anterior, salvo, claro está, el primero que expone inicialmente el material. La obra se dirige a un final feliz, como de una utopía deseada y el autor dice que, tratándose de música contemporánea ello puede parecer muy irónico pero recuerda que la obra es una fantasía. Tanto que el autor cuenta la siguiente anécdota que reproducimos a continuación:
"No hace mucho, y al finalizar un ensayo donde se encontraban algunos oyentes, una persona se me acercó y me preguntó: háblame de esta obra, de su contenido. Le contesté que había intentado vivificar el amor perfecto, el amor idealizado, el amor (como sentimiento, incluso como sensación) que todos buscamos (creo), pero que no encontraremos nunca ya que no existe. No me quiero referir al amor de pareja, o al amor fiel o..., hablo del amor como un concepto total, casi al amor como un dios que nos permitiría llegar a la perfección. Bien, nosotros, simples humanos, no lo encontraremos, pero en la obra si se encuentra. Quizás hay un episodio, el cuarto, en el que se respira un cierto sufrimiento... En fin, no sé... En todo caso, puede decirse que sirve para que cuando llega el último episodio, se note que la felicidad se ha impuesto gracias al amor. Realmente se trata de una fantasía en toda, regla, y en todos los sentidos: literario (por ejemplo en el aspecto onírico, en su alejamiento de la realidad...), musical (forma no estricta, libre...), filosófico (como lo no-realizable, el imposible...)."
Hay una versión anterior a la actual que estrenó el Grupo Diapasón pero era para una formación instrumental distinta. Esta es pues la versión definitiva y en esta ocasión recibe su estreno.

Tomás Marco


Iniciada en 1986, el Aula de (Re)estrenos ofrece obras de compositores españoles que, por las razones que fueren, no son fácilmente escuchables después de su estreno, provocando en ocasiones la práctica "desaparición" de muchas composiciones que probablemente no lo merezcan.

El Aula de (Re)estrenos no se limita solamente a la reposición de obras más o menos antiguas, sino que es también un marco en el que se presentan por primera vez en Madrid composiciones recientes ya estrenadas en otros sitios, o incluso no estrenadas. Todos los audios de las Aulas anteriores, junto a los programas de mano, las fotografías y otros materiales relacionados, se encuentran accesibles en Clamor. Biblioteca Digital de Música Española


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